Te contamos tudo sobre o figurino de Xógum: A Gloriosa saga do Japão
Baseada no best-seller de James Clavell, a nova série do FX, "Xógum: A Gloriosa Saga do Japão", transporta os espectadores para o Japão do século XVII, durante uma guerra civil crucial que moldará o curso da história. A série apresenta uma narrativa complexa em torno de Yoshii Toranaga, interpretado pelo produtor Hiroyuki Sanada, que luta por sua vida em meio a intrigas políticas.
Além da narrativa envolvente e das performances brilhantes, a autenticidade histórica é elevada a outro nível através dos elaborados figurinos criados pelo designer Carlos Rosario. Cada peça de vestuário é meticulosamente feita à mão, refletindo não apenas a estética da época, mas também os detalhes sutis que comunicam o status social e a personalidade dos personagens.
A produção original estreou exclusivamente e simultaneamente no Disney+ e Star+ em 27 de fevereiro, com o lançamento dos dois primeiros episódios. Agora, os episódios são lançados todas as terças-feiras, com previsão do último deles ir ao ar na primeira semana de abril. Abaixo, contamos todos os detalhes dos figurinos dessa superprodução - que estamos adorando. Vem descobrir mais!
Desde o início, ele e sua equipe se comprometeram a garantir a máxima autenticidade em cada detalhe. Colaborando com consultores japoneses, Rosario mergulhou na cultura e história do período Sengoku (um período de transição, que deu lugar à expressão e à arte), garantindo que cada escolha de tecido, cor e estilo estivesse em harmonia com a época retratada na série.
“Decidimos que era extremamente importante para nós fazer tudo.” Isso lhes permitiu controlar todos os detalhes do figurino, incluindo tecido, cores, estilo e como os padrões eram cortados e costurados. “Tínhamos uma equipe no Japão que continuamente nos enviava tecidos únicos. Na minha primeira reunião com Hiro (Hiroyuki Sanada), ele disse: ‘Carlos, certifique-se de obter a linha certa. Tem que ser linha japonesa’.”
Para Rosario, a criação dos looks de "Xógum" foi um desafio emocionante e gratificante. Com dez episódios, a série exigiu uma equipe de figurino de 85 a 125 pessoas, que criaram milhares de figurinos e realizaram centenas de provas ao longo da produção. Fora isso, também foram necessárias duas pessoas para vestir apenas um samurai com armadura, então, além da equipe que vestiria os personagens principais, havia um outro time muito grande no set dedicada a vestir as centenas de figurantes para que todos estivessem prontos a tempo de filmar cada dia. “Também fomos muito sortudos por trabalhar com japoneses muito talentosos que eram especialistas em vestir roupas desse período”, conta Carlos.
“No início, alugamos muitos elementos do Japão para estudar e entender a construção específica de como essas peças eram feitas. Esses personagens são vagamente baseados em figuras históricas reais e são muito amados na cultura japonesa. Eu queria ter certeza de que faria certo.” Além disso, o estilista trabalhou em estreita colaboração com outros departamentos, como cabelo, maquiagem, design de produção e direção de fotografia, garantindo uma coesão visual em toda a série.
As roupas evoluem conforme os personagens se desenvolvem, proporcionando uma experiência imersiva e envolvente para os espectadores. Por exemplo, Mariko, inicialmente retratada em preto e branco, vê suas roupas ganharem mais cor à medida que encontra coragem para expressar sua verdadeira identidade.
Era importante estudar todos esses detalhes para contar a história e explicar quem cada personagem era através de seus figurinos.
“Também usei muitos tecidos rústicos, texturizados e naturais como cânhamo que refletiam sua conexão com a natureza.” Nas cidades de Osaka e Edo, a paleta é muito mais colorida, porém pálida, com padrões mais ousados. E no castelo, encontramos outro tema de cores. Os senhores e aristocratas conseguiam se expressar muito mais e queriam mostrar sua riqueza e poder. Vemos mais padrões ousados e muitas sedas coloridas e bordados finos.
Os figurinos não são apenas trajes, são elementos narrativos por si só. Cada cor, cada padrão e cada camada de tecido transmitem significados sutis sobre os personagens. Desde os tons sóbrios dos samurais até as cores vibrantes dos aristocratas, cada paleta de cores foi cuidadosamente selecionada para refletir a posição social e a personalidade dos protagonistas. “Esse foi realmente o meu ponto de partida”, diz Rosario. “Quero que o público reconheça facilmente quais famílias estão conectadas a qual senhor.” Isso também se alinha historicamente com o que foi um período muito colorido.
Além disso, os detalhes transmitem significados sutis, como o número de camadas indicando o status de uma mulher e as pregas de um hakama representando a riqueza de um homem.
os personagens
Para Toranaga, Rosario incorporou ouro e cobre em sua paleta de cores marrom. Talvez o figurino mais intrincado de Toranaga seja sua armadura. Foi projetada para ser historicamente autêntica e confortável. “Também tinha que estar alinhada com o que esses atores japoneses muito profissionais estavam esperando que eu fornecesse para eles”, acrescenta. Rosario projetou a armadura com couro como base, ao contrário do metal completo, que é mais comumente visto em filmes.
Para o período Sengoku, o couro era uma escolha mais apropriada para a época e também mais confortável. “Lembro-me de que Hiro me disse que sua armadura era a mais leve com a qual ele já havia trabalhado. Achei isso um ótimo elogio porque permitia que ele realizasse as acrobacias e sequências de ação necessárias.”
À medida que os personagens evoluem ao longo da série, também o faz o design de seus guarda-roupas. Um exemplo é "Mariko", cujos trajes incorporam seu papel como uma mulher samurai. Ela começa como esposa samurai de "Buntaro", com quem é impedida de se expressar. "Eu projetei seus figurinos anteriores em preto e branco", diz Rosario. "Eles simbolizam uma falta de vida, onde ela se sente quase invisível."
Conforme a história se desenrola e Mariko começa a encontrar coragem para expressar sua verdade, seus figurinos evoluem com mais cor - especificamente vermelho - e os padrões que antes eram de galhos nus começam a incorporar a flor de camélia, que floresce nos meses de inverno. "Também encontramos tecidos para Mariko com símbolos de transformação como borboletas e guindastes, como se ela estivesse prestes a decolar e voar para longe."
Para "Blackthorne", Rosario quis criar uma evolução óbvia desde quando o vemos pela primeira vez no Erasmus até seu primeiro kosode e integração gradual à cultura japonesa. "Como ele está no cerne da história, seus figurinos precisavam ter uma paleta de cores sutil, mas muito japonesa, para que sua aparência não distraísse", explica ele. "Ao mesmo tempo, eles precisavam contrastar com os figurinos intrincados e detalhados de nossos personagens nobres, o que ajudou a amplificar o choque entre as duas culturas."
Desde que ele começou como marinheiro, sua aparência foi mantida muito masculina e sóbria para dar espaço para adicionar mais peças japonesas conforme a história avança. Todos os seus tecidos eram muito texturizados, sedas brutas e linhos para enraizar o personagem no Japão, enquanto alguns de seus tecidos kosode levaram semanas para serem tecidos à mão por artistas em Vancouver.
assista ao trailer
Os episódios já estão disponíveis tanto na plataforma Star+ quanto Disney+ e garantimos que vale a pena assistir, ainda mais depois de descobrir tantas curiosidades por trás de cada um dos figurinos. Depois conte para nós o que você achou da produção!
